Dylan Crossman Dans (c) e. Photo par Julie Lemberger. 92ndStreet Y, New York, État de New York.
16 mars 2019.
La vie en 2019 semble pleine de changements, de changements et d'émotions - dans nos esprits, dans notre façon de voyager, là où nous travaillons, là où nous vivons. Sociopolitiquement, partout dans le monde, beaucoup ont le sentiment que les choses ne sont tout simplement pas ancrées et déracinées. Dylan Crossman Dan (s) ce's Jamais Plus (traduit approximativement du français par «jamais plus») invoquait le déplacement et la perturbation des corps, des objets et de l'immatériel dans l'espace pour illustrer ce sentiment de déracinement.
Dylan Crossman Dans (c) e. Photo par Julie Lemberger.
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Dans le même temps, il y avait là un fondement dans «l'humanité, avec toute sa beauté et ses ténèbres» - dans «l'amour, le doute, la peur et la reconnaissance [de nos] différences» et une «repousse contre les actes quotidiens de violence »au milieu de« troubles politiques », comme le décrit le programme. En commençant à développer ce sens, certains membres du public se sont peut-être sentis un peu inquiets de voir des danseurs déjà sur scène à leur arrivée («sommes-nous en retard?», «Pouvons-nous encore parler?», Certains se sont peut-être demandé). Pourtant, le mouvement doux, nerveux mais si très clair et intentionnel m'a fait, au moins, me sentir assez content.
La géométrie précise dans des formes familières avait des touches non conventionnelles, telles que les hanches soulevées des épaules et des pieds au sol («Bridge Pose» dans le yoga) et un bras s'allongeant sur le côté (loin du corps). Les danseurs ont basculé de ceci dans une planche avec un genou plié et ce pied pointé vers le ciel. Dans l'ensemble, le mouvement était une collection d'angles et de courbes. Le public ne savait pas que nous le reverrions.
À la base de ce mouvement se trouvait une partition musicale évoquant une tempête qui se dressait au loin (conception sonore de Jesse Stiles). Nous avons aussi eu une petite fenêtre sur le monde des danseurs de temps en temps, on disait «tiens!», Et c’est ce qu’ils ont fait, en s'arrêtant là où ils étaient, puis en recommençant en quelques respirations quand on disait «allez». Bientôt, une violoniste (Pauline Kim Harris) a commencé à jouer en dehors de la scène, et les lumières sur scène se sont allumées alors que les lumières de la maison s'éteignaient. D'accord, ça devait vraiment être le début de la performance, ai-je pensé.
Les trois danseurs qui avaient dansé ont continué à le faire, comme un quatrième danseur est entré. Ils se déplaçaient lentement, toujours au sol, tandis que le quatrième danseur dansait haut et à divers tempos. Il y avait un contraste clair ici, entre ce qui créait quelque chose de méditatif et ce qui créait quelque chose de plus tendu. Ce contraste était un outil, parmi plusieurs autres que Crossman a utilisé, au service du sens et de l'humeur tout au long de l'œuvre.
Aussi tout au long, le mouvement avait un euphémisme agréable assez évidemment, le but n'était pas la hauteur en sauts et extensions ou le nombre de révolutions dans les virages, mais plutôt le contrôle et un engagement. Cela a également servi de sens et d'humeur. La manière dont le violoniste entrait et sortait a contribué aux deux. À un moment donné, des lumières se sont allumées sur son jeu sur le côté et sont progressivement montées au centre de la scène pour révéler une soliste dansante (conception d'éclairage de Davidson Scandrett). Ce développement s'alignait sur des quarts de travail et des changements fréquents dans le travail, et un sentiment de transpiration inattendue.
Ce danseur a rapidement rejoint d'autres danseurs sur scène dans une ligne verticale, et tous ont dansé une lente phrase de balayage et de recherche. Le drame se construisait. La simplicité est restée dans le mouvement, même si un mouvement plus virtuose a émergé. Tout cela s'est senti réussi, mais à mesure que cette section progressait, l'espacement et le timing à l'unisson auraient pu être plus clairs. Cette qualité ne semblait évidente que parce que ces éléments étaient si clairs presque partout ailleurs dans le travail.
Quelques danseurs sont sortis pour laisser trois danseurs sur scène, qui ont créé une autre dynamique contrastée à deux contre un, l'un se déplaçant lentement tandis que les deux autres se déplaçaient rapidement. Crossman a montré son penchant pour travailler avec un grand nombre de danseurs de ce genre de façons convaincantes tout au long de l'œuvre. La sensation d'angularité dans le mouvement s'intensifia, bien qu'il y ait encore une douceur - comme dans une initiation à partir de coudes souples. Le sentiment de déplacement, de déracinement, de sédentarisation se poursuivait et s'intensifiait également, mais seulement momentanément jusqu'à ce qu'une nouvelle formation prenne forme.
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Contribuant davantage à ce sentiment, dans un solo ultérieur, les projecteurs étaient au centre de la scène, mais le soliste a dansé en dehors de celui-ci. De ce choix était le sentiment d'être dans le mauvais espace, mais incapable de se déplacer vers le bon. Une section de groupe dans l'obscurité presque totale, un peu plus tard dans le travail, apportait également ce sens de «quelque chose qui ne va pas». Le mouvement était d'une beauté saisissante et habilement livré, mais l'effet de l'éclairage tamisé était un peu exagéré en pratique, c'était plutôt difficile à voir.
Une autre section mémorable peu de temps après celle-ci était un danseur accumulant des chaises, poussant une pile de plus en plus grande avec sa tête une à une, il ajoutait des chaises, rampant vers la scène juste à mesure que la pile augmentait. Les simples chaises empilables à dossier noir avaient été disposées en rangées, placées une à une par un danseur. Après un mouvement de section convaincant à l'unisson et un timing individuel, le mouvement avec une circularité et une construction lente comme un cyclone croissant, est venu le déplacement de ces chaises par la tête. Cependant, quelque chose de formalisé, de soigné et d'ordonné ne resterait pas longtemps comme ça.
Dylan Crossman Dans (c) e. Photo par Julie Lemberger.
La musique a également fréquemment changé et changé - de partitions instrumentales plus ou moins atonales au violoniste jouant en direct à des partitions instrumentales à nouveau. Toute la musique était suffisamment dramatique et légèrement troublante pour créer un drame et ce sentiment sans ancrage. Même avec tout ce déplacement et cette perturbation, les danseurs étaient enracinés et forts. Leur qualité de mouvement assurée, nuancée mais aussi essentialisée parlait du thème de Crossman de l'enracinement dans «notre humanité, avec toute sa beauté et ses ténèbres».
Les motifs de mouvement étaient également ancrés - comme un virage en l'air avec les jambes étroitement serrées (tour en l’air) et les bras largement écartés, comme un hélicoptère volant, vu à différents moments de la chorégraphie. Ces mouvements de resurfaçage ont apporté un élément de similitude au milieu de tant de changements. Le mouvement de retour de la section d'ouverture était également intéressant, et étrangement réconfortant, à voir - «Je m'en souviens!» Je me suis dit en me sentant légèrement sourire.
Ce qui était moins que réconfortant était la fin, un duo à deuxdanseursqui ressemblait àcapoeiraavec contact intentionnel ajouté (aux points, lutte réelle). Ils se séparèrent, se regardèrent - l'un debout, l'autre par terre - et les lumières s'éteignirent. Cette conclusion m'a laissé perplexe en l'absence de résolution, mais avoir un sursis momentané après les combats impliquait-il un cycle continu de violence et de repos tendu? Il semblait également manquer du drame soigneusement conçu ailleurs dans la pièce. En tant que spectateur, je voulais que ce soit plus long et plus étagé, plus complet et plus clair.
Dans l'ensemble, cependant, Dylan Crossman Dan (s) ce's Jamais Plus était une exploration de l'art de la danse convaincante de la perturbation, du déplacement et d'un enracinement dans notre humanité. Dans un monde moderne qui tente de nous désancrer et de tester notre humanité jour après jour, je suis reconnaissant de voir ce commentaire jouer sur scène.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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