La Batsheva Dance Company a été présentée par la Celebrity Series de Boston au Boch Center Shubert Theatre. Photo de Robert Torres. Boch Center Shubert Theatre, Boston, Massachusetts.
5 avril 2019.
La danse peut être assez intellectuelle et assez fascinante intellectuellement - à travers des éléments de structure, de timing, de concept, et cetera. Un autre aspect de la création de danse, bien sûr, est de savoir combien ce fourrage intellectuel se traduira par les membres du public et s'ils apprécieront de le recevoir. À leur meilleur, les œuvres d'art de la danse ont une matière intellectuelle à offrir et peuvent réaliser cette traduction. Pourtant, le premier ne mène pas toujours au second.
J'avais ces questions à l'esprit après avoir regardé la Batsheva Dance Company Venezuela , chorégraphié par le chorégraphe de la maison (et ancien directeur artistique fondateur) Ohad Naharin. Un mouvement frappant et mémorable était à l'avant-plan - mais un choix structurel tout à fait unique était encore plus prescient dans la façon dont j'ai reçu le travail. Les travaux s'ouvrent progressivement, bâtiment énergétique. Les danseurs se tenaient en deux lignes, le chant grégorien résonnant à travers le théâtre. Ils ont commencé à se balancer doucement d'un côté à l'autre, puis ont laissé le balancement se dissiper de nouveau. L'esthétique était tout aussi sobre que ce mouvement facile - des costumes noirs, un fond noir et un éclairage dans des tons de jaune.
En un éclair, ils se sont déplacés du cercle vers de nouvelles formations, puis par paires. Le mouvement de la salle de bal a rempli la scène, mais à une vitesse et une intensité physique inhabituelles pour la forme. En voyant ce changement de ton rapide, je pouvais dire que l'œuvre offrirait les goûts conventionnels inattendus et défier. Une formation suivante a apporté quelque chose d'autre unique et stylistiquement séparé de ce que nous avions vu dans un bouquet, des danseurs initiés par les coudes, les genoux, les pieds et les épaules - comme un rosier épineux et épineux prennent vie.
danse 2014
D'autres sections alternaient, mélangeaient et opposaient des sections à l'unisson à celles dans lesquelles les danseurs évoluaient avec leur propre phrasé - construisant l'idée de l'individu contre le collectif. Les danseurs se sont plongés dans et hors du mouvement, vivant vraiment dedans avant de vivre dans ce qui allait suivre. Le groupe s'est de nouveau agglutiné et certains membres ont commencé à faire du rap en synchronisation labiale avec une chanson de Notorious B.I.G. Le contenu de la chanson était brut, controversé et, à certains moments, vous faisait mal au ventre. Le contraste entre cela et les hymnes choraux était frappant, et un sens s'est développé pour moi - la lumière contre l'obscurité, et la tentation qui peut nous tirer du premier vers le second.
La Batsheva Dance Company a été présentée par la Celebrity Series de Boston au Boch Center Shubert Theatre. Photo de Robert Torres.
Les lumières s'éteignirent puis montèrent à nouveau sur une nouvelle section. Il m'a fallu une seconde pour réaliser ce que je voyais - des danseurs montaient sur le dos d'autres danseurs, comme s'ils étaient des chevaux ou des chameaux. Quelque chose dans la façon dont tout s'est déroulé était d'une beauté saisissante, même si j'étais préoccupé par la sécurité physique des danseurs «montés». Des moments inattendus m'ont fait sortir de l'espace méditatif de regarder la marche lente des paires, l'une sur le dos de l'autre en elles - y compris des danseurs plantant les pieds vers le bas pour que l'autre danseur rampe de dessous, les genoux encore légèrement pliés, puis se retournent rapidement à l'unisson pour se reposer à nouveau sur le dos de leur partenaire.
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Une section suivante les avait tous contre le dos, avec plus de danseurs venant des ailes, miroitant alors qu'ils portaient une serviette sur leur côté (vers le public). Ils déposèrent les serviettes en tas - sur un danseur allongé sur le côté - et rejoignirent les danseurs à l'arrière. Il se leva, couvert de serviettes, et un autre lui sauta dessus. Les danseurs se sont avancés et ont dansé avec leur propre mouvement, apparemment improvisé mais conçu avec facilité. Ce mélange de spontané et de formé m'a attiré directement.
Le mouvement Unison a suivi cela, avec beaucoup plus d'accents rythmiques qu'ailleurs dans l'œuvre. Une autre partie du mouvement rapide et frénétique de la salle de bal s'est mise en place. Après cela, il y avait une section de mouvement beaucoup plus lent, les bras se déplaçant des coudes pour se déplacer comme des oiseaux battant des ailes. Le travail couvrait un terrain de possibilités avec une vitesse et une audace incroyables, et j'étais ravi. L'image du rosier épineux est revenue, les parties du corps osseuses initiant le mouvement - ajoutant quelque chose de plus familier au mélange. Tout cela a conduit à la conclusion de ce que nous saurions être une première de deux sections, avec des danseurs tournoyant dans le sol et se déplaçant tous lentement. Les lumières s'éteignirent.
Les lumières revinrent sur deux lignes de danseurs, commençant progressivement à se balancer doucement. Le balancement s'est dissous dans l'immobilité, puis avec un sursaut, ils se sont déplacés dans l'espace. Ils se sont ensuite associés à une danse de salon rapide. Nous avions déjà vu tout cela. Je me suis demandé si nous verrions un nouveau mouvement entrecoupé de ce qui était familier. Après une dizaine de minutes du même mouvement dans la même séquence, il semblait clair que nous ne le ferions pas - que, très probablement, cette deuxième section de l'émission serait une quasi-double de la seconde.
Pourtant quoi a été différent était la musique la musique plus moderne a remplacé la musique chorale de la première section. C'était fascinant de voir comment différentes musiques affectaient ma réception de l'œuvre. Par exemple, une partition de style moyen-oriental d'une beauté saisissante jouée avec une section de danseurs chevauchant le dos des autres, et mon esprit pourrait remplir certains blancs esthétiques pour (plus facilement) l'imaginer comme chevauchant des chameaux. Les sections avec un mouvement rapide et frénétique avaient différentes saveurs de musique rock electro comme partitions. Cela semblait plus harmonieusement adapté à ce mouvement, si la musique chorale d'avant s'imposait à ce mouvement par contraste. Le rap m'a semblé un peu plus troublant personnellement, avec un manque d'opposition thématique à quelque chose de religieux et de traditionnel.
Ce jeu de l'effet de la répétition du mouvement et d'autres contenus visuels, tout en changeant le mouvement, semblait au moins faire partie de ce que Naharin recherchait avec ce choix structurel. C'était comme une expérience de science artistique - gardez tout sauf une variable et observez les résultats. Je devais me demander à quel point ces différences résultantes étaient convaincantes pour un spectateur moyen, au moins suffisamment pour regarder à nouveau le même mouvement et le même séquencement du mouvement.
l'atelier de danse
Pour moi, le mouvement était assez beau et intriguant pour que - du moins au début - cela ne me dérange pas de le revoir. J'aimais y voir des nuances que je n'avais pas perçues la première fois. Cela m'a rappelé à quel point la plupart des matériaux de mouvement bien construits ont des couches de richesse qui peuvent être décollées et expérimentées. Pourtant, cet intérêt, ainsi que ma curiosité pour la manière dont différentes musiques rencontraient le même mouvement, se sont éteints vers la seconde moitié de cette seconde section. Je devais me demander si c'était plus tôt pour les autres membres du public, s'ils avaient jamais eu cet intérêt (et la conscience de le générer) en premier lieu.
Je pense que les membres du public moyen, ceux qui ne connaissent peut-être pas très bien l'art de la danse, sont plus perspicaces et intuitifs à propos de la forme d'art que les passionnés de danse ne leur attribuent le plus souvent. Pourtant, le travail doit être en mesure de les impliquer pour qu'ils y parviennent. Peut-être que certains de ces types de téléspectateurs Venezuela y est arrivé - il est difficile de le savoir sans les étudier.
Ces considérations formelles mises à part, nous pouvons réfléchir à l'importance de tenir compte de la psychologie et de la disposition du public moyen lors de la création d'œuvres d'art de la danse. Cela semble être quelque chose à engager avec une considération parfois opposée, l'intérêt intellectuel et la passion créatrice de soi-même en tant que chorégraphe. En tant que danseurs, chorégraphes et passionnés de danse, encourageons cet engagement. Le plus grand bien-être de l'écosystème artistique est trop important pour ne pas le faire.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
Marina Drujko
