Commentaires | Avril 2024

Alvin Ailey American Dance Theatre à Jamar Roberts

Alvin Ailey American Dance Theatre dans Jamar Roberts '' Une Jam Session For Troubling Times '. Photo gracieuseté d'Emily Kikta Peter Walker.

2-31 décembre 2020.
Accessible via www.alvinailey.org/performances-tickets/virtual-winter-season/watch-now .

Depuis plus de 60 ans, Alvin Ailey American Dance Theatre présente un art de la danse qui élève, inspire, éduque et provoque la réflexion - de l'avant-scène au studio de danse en passant par les environnements communautaires. C’est en grande partie la raison pour laquelle des milliers d’amateurs de danse et d’art sont revenus à maintes reprises à ce que la compagnie propose - en temps de guerre et de paix, de pénurie et d’abondance, de discorde et d’harmonie.

Compte tenu de la pandémie de COVID, ce que l'entreprise peut présenter est différent cette année - de manière frappante, également le 60^eannée anniversaire du chef-d'œuvre d'Alvin Ailey Révélations. Pourtant, ce n’est sans doute ni moins significatif ni moins spécial. Rien ne peut remplacer le spectacle vivant, mais ce que la société a offert dans son toute première saison virtuelle (quelque chose d'historique en soi) avait ses propres innovations créatives et ses propres façons de parler de sa propre voix.

Ces innovations étaient particulièrement prémonitoires dans les deux œuvres originales présentées cette saison - Jamar Roberts » Un Jam Session pour les temps difficiles et Testament par le directeur artistique associé Matthew Rushing (en collaboration avec le membre de la compagnie et assistant du directeur des répétitions Clifton Brown et l'ancien membre de la compagnie Yusha-Marie Sorzano). D'autres programmes de la saison ont célébré les 60 ans de Révélations , a étudié comment la danse et la justice sociale se croisent, a offert du contenu pour tous les âges à toute la famille et a célébré le départ à la retraite de deux membres de la compagnie cette année.

Renaldo Maurice, Courtney Celeste Spears et Chalvar Montiero d’Ailey tournent «A Jam Session for Troubling Times» de Jamar Roberts. Photo gracieuseté d'Emily Kikta et Peter Walker.

Roberts » Un Jam Session pour les temps difficiles a commencé par de superbes prises de vue aériennes de New York. En voix off, un gentleman a partagé des histoires sur la vie d'un musicien de jazz dans la ville. Plans de musiciens sur un toit assemblés à ceux des danseurs d'Alvin Ailey devant les studios Ailey (la signalisation de «ALVIN AILEY AMERICAN DANCE THEATER» les a clairement localisés). Les danseurs - bien qu'ils soient restés physiquement distants - ont eu quelques instants d'excitation à se voir, puis se sont rapidement mis en mouvement. Ce choix était humanisant et réconfortant, particulièrement en cette période de déconnexion physique.

Le mouvement était, au risque de réduire quelque chose de si stratifié et riche, une incarnation de la musique jazz: improviser à partir d’un élément rudimentaire, se déchaîner, les énergies des danseurs se nourrissant les unes des autres. Le mouvement à l'unisson est devenu prédominant plus tard dans la pièce, mais le caractère unique de l'improvisation du corps et de la signature du mouvement de chaque danseur est resté.

La manière dont le mouvement se déplaçait et évoluait au cours de la pièce était également intrigante et esthétiquement satisfaisante. Il a commencé, pour la plupart, très anguleux et très gestuel - comme la danse jazz lui-même. (Et une grande partie du vocabulaire est influencée par la danse jazz - basée sur l'isolement et parallèle, par exemple). Une qualité plus curviligne et fluide est apparue plus tard avec les tambours bongo prenant une ligne mélodique. Les danseurs ont continué à incarner la musique à travers de nouvelles approches tangibiliser la musique dans le corps n’est pas un concept nouveau, mais cette œuvre a offert cela d’une manière que je n’ai jamais vue auparavant.

La cinématographie et l'éclairage de la pièce ont également gardé son expérience visuelle dynamique. La caméra nous a amenés à des gros plans plus tard dans le travail, et alors que les danseurs se déplaçaient dans une ruelle, une lumière jaune les éclairait. Avec ce nouvel éclairage, une nouvelle teinte est venue sur leur peau et leurs costumes - quelque chose avec lequel la danse sur film offre des possibilités infinies.

L’authenticité et l’humanité des danseurs ont également amélioré l’expérience du travail. Il y avait une qualité modeste et très humaine dans la façon dont ils se déplaçaient ensemble, aussi incroyablement virtuoses soient-ils. La personnalité de chaque danseur a eu un moment à l'honneur, quelque chose d'amusant et de joyeux à voir. Des vêtements pour piétons en ligne avec l'ambiance du club de jazz classique ont renforcé ce sentiment. Les cadres de fin l'ont également fait, avec les danseurs applaudissant, groover ensemble, et chacun obtenant quelques instants sur un plan solo et un crédit de nom. Le titre de l'œuvre elle-même est dans ce ton et cet esprit: simple, précis et accessible. L'œuvre est exactement ce que le titre nous dit.

marie danse

Dans une discussion post-performance, Roberts et le directeur artistique Robert Battle ont discuté de l'inspiration et du contexte de l'œuvre. Roberts a reconnu le temps dans lequel nous nous trouvons et le contraste entre cela et l'ambiance de la pièce. Il voit cela comme des choses que nous faisons pour garder le moral et communiquer avec les autres de manière sûre - faire des balades à vélo et au parc, par exemple. Nous pouvons jouer dans les moments difficiles, trouver la joie et la créativité ensemble. La discussion a illustré la compréhension plus profonde des œuvres que de tels entretiens avec des chorégraphes peuvent apporter.

Testament , chorégraphiée par le directeur artistique associé Matthew Rushing en collaboration avec Clifton Brown et Yusha-Marie Sorzano, était une pièce pour commémorer, honorer et voir sous un nouvel angle le travail fondateur d'Ailey Révélations dans son 60^eannée anniversaire . Comme Révélations , le travail est centré sur une histoire de «transformer la douleur en pouvoir» et le cycle de «se lamenter sur l'espoir», a déclaré - dans un entretien post-performance avec les trois chorégraphes. Les trois d'entre eux - «Team Testament», comme ils ont joyeusement partagé dans la discussion post-performance - ont également discuté de la façon dont les histoires partagées et les «preuves tangibles» sont des idées centrales qui ont façonné le travail.

Alvin Ailey American Dance Theatre dans «Testament» de Matthew Rushing, Clifton Brown et Yusha-Marie Sorzano à Wave Hill PGCC. Photo de Travis Magee.

La pièce a commencé avec des gens se déplaçant ensemble, et avec le souffle d'une femme, une bougie a brillé. La flamme s'éteignant quelques instants plus tard, il y avait des images de douleur noire et de subgation - celles qui étaient intenses à vivre. La première section d'ensemble a suivi, avec des danseurs sur une scène vierge dans une formation serrée et linéaire. Il y avait un paysage sonore d'eau et de vent, d'une tempête en mer. Des faisceaux de lumière brillaient, éclairant une scène par ailleurs sombre. La partition chantait «Pourquoi suis-je ici? / Quel est cet endroit? / Qu'est-ce que j'ai fait pour arriver ici? » J'ai immédiatement pensé au passage du Milieu, entre l'Afrique et les Amériques - où, sans doute, tout a commencé.

Le mouvement avait une portée et un désespoir, mais à d'autres moments une peur et un repli sur soi. Des moments d'immobilité et des expressions vides signalaient un manque d'espoir et de résignation face au destin actuel. Une partie du vocabulaire de mouvement le plus puissant était le mouvement lent à l'unisson, un simple soulèvement d'une jambe au-dessus de la hanche tout en se couchant sur le côté.

La section suivante présentait deux danseurs, chacun sous les projecteurs. Il y avait une virtuosité de haut niveau dans les virages profonds, les extensions élevées et les virages puissants. Pourtant, ce qui semblait le plus significatif était ce qui n'était pas là - le manque de connexion entre eux et le manque de sortie des espaces que leurs projecteurs éclairaient. Les simples sonorités électroniques de la partition renforçaient ce sentiment de ce qui manquait. Ils ont avancé et reculé, signalant l'action, mais ils ont été incapables de briser ces barrières et de se connecter les uns avec les autres. C'était jusqu'à un moment notable, quand, pour la première fois, ils se sont regardés - un moment qui a pris son temps et a résonné.

Des images d'oppression des Noirs ont de nouveau jailli sur l'écran, et à la suite de celle de la résistance contre cette oppression: de MLK Jr., signes de protestation et se tenant ensemble contre les tactiques d'intimidation. Ensuite, il y avait une section d'ensemble émouvante de danseurs évoluant ensemble avec puissance, conviction et but - littéralement avancer ensemble. Les angles en mouvement véhiculaient la force, tandis que les courbes illustraient l'adaptabilité et la complexité. «Je suis ici / je suis digne» chantait la chanson - et tout ce qui concernait la présence des danseurs disait cette vérité.

La section suivante était un solo pour vraiment remuer le cœur - une femme dansant en son pouvoir, mais avec une agitation et des troubles dans son corps et son âme évidents. Le discours de la partition parlait de trouble émotionnel et de solitude dans cet endroit instable. Ces mots m'ont rappelé qu'au moment où nous parlons et dansons sur la libération, la santé mentale n'est pas un aspect à oublier.

Des danseurs tournaient autour d'elle, comme pour la soutenir et la protéger, et le discours a changé pour être celui d'être en son pouvoir et d'avancer dans la clarté de ses convictions. Des photos de dirigeants et de visionnaires noirs clignotaient sur l'écran - de Frederick Douglass à Harriet Tubman en passant par Rosa Parks, Malcolm X et James Baldwin. Enfin, nous avons vu Michelle et Barack Obama ainsi que la vice-présidente élue Kamala Harris. Mon cœur ne pouvait s'empêcher de bondir.

corps de John Brotherton

Le plan s'est déplacé vers l'extérieur, avec un grand groupe dansant, une fois de plus. Le mouvement cette fois était plus doux, plus léger et plus joyeux que dans cette première section d'ensemble. C'était comme s'ils n'avaient plus à pousser et à se battre et à prouver qu'ils pouvaient juste être . Les gestes se fondaient dans de nouveaux gestes, les épines ondulaient et l'énergie rayonnait de leur centre au-delà de leurs kinésphères.

Pourtant, ce qui est incertain est resté. Le danseur principal a vu une autre femme dans un foulard et s'est dirigé vers elle, alors que les autres danseurs continuaient de bouger - c'était de retour au plan d'ouverture. J'ai réfléchi à la façon dont le poids de l'histoire ne peut pas être entièrement éliminé - ce qui a été perdu, et ce qui aurait pu l'être, ne sera jamais entièrement retrouvé. D'un autre côté, l'héritage et la force de ceux qui ont précédé sont quelque chose qui nous accompagne également.

En ces temps troublés, les rappels de vérités comme celle-là - par le biais de l'art - peuvent signifier plus que jamais. Ces œuvres avaient l'impression d'avoir été façonnées par ces temps et offraient également quelque chose d'essentiel pour ceux qui vivent à cette époque, là-dedans. de ces temps et pour ces temps. Fait intéressant, l'art de et pour un temps particulier peut être ce qui résonne à travers les âges. Je crois que ces œuvres, et la plus grande saison au cours de laquelle elles ont été présentées, resteront dans les mémoires pour ce qu'elles ont offert, quand elles l'ont offerte - une chose spéciale et louable en effet.

Par Kathryn Boland de La danse informe.